米乐M6服装的廓型是需要进行创新设计的，而廓型的变化离不开人体支撑服装的几个关键部位：肩、腰、臀以及服装的摆部。因此，对这几个部位的强调或掩盖的程度不同，就会变化出不同的廓型。
如何使廓型具有创意，可以从肩部造型开始设计，著名法国时装大师巴伦夏加认为服装可以没有身，但不能没有肩。这种认识，极其的精辟。他的作品，也因肩部廓型的变化，使服装产生了不一样的外廓型。一些设计师的耸肩、圆肩、翘肩设计，可谓是肩部廓型的一种创新设计，通过肩部廓型的创意，使服装整体外观廓型具有了创意。
进行廓型创意设计，可以考虑腰部廓型的变化。腰部廓型变化较为丰富，法国著名服装大师迪奥先生推出的新外观作品，就是腰部廓型设计的典范，作品腰部廓型收紧，强调女性人体的曲线美，成为服装设计界的经典。中国新锐设计师班晓雪的作品，腰部廓型放松，不强调腰部曲线，赋予服装与人体“合二为一”的美学原则，别有一番韵味。同时，依据腰线位置的高低，可设计高腰、低腰、中腰廓型，由此使服装因腰部廓型设计而产生新颖的外观视觉效果。
在服装廓型中，臀部廓型也扮演着重要的角色。当下流行的气球裙、花苞裙、茧型裙，即是对臀部廓型的创意。服装臀部廓型可宽可窄，可放松可收紧，造型多样。从臀部廓型入手，进行服装廓型的创意设计，这不乏是一条很好的设计思路。
服装摆部的设计，往往被设计师们忽略，其实，通过摆部廓型的变化，也可产生意想不到的视觉效果。服装下摆的廓型，可离开人体，可收紧，可膨胀，可塑性极强，一些服装因摆部廓型的变化，令服装廓型以及服装本身耳目一新，产生极佳的创意。
服装廓型清晰，创意强，这些服装廓型的设计，基于肩、腰、臀、摆部的廓型创意，学生们的作品理论联系实际，很好的将课堂知识融入了服装设计中，可见，了解、认识、学习服装廓型的创意设计，有助于解决服装设计中的廓型问题，也能帮助设计者更好的运用廓型。
服装设计有很多元素，对服装面料的创意设计则是重要设计元素之一。服装面料创意设计与服装面料的革新进程有较大关系，服装的风格在一定意义上由面料的风格所决定，面料的颜色、图案、厚薄、轻重以及悬垂性，对服装风格均有较大影响。服装设计离不开服装面料的创意设计，服装设计师如果有好的面料创意设计，就能设计出更好的服装款式。本文浅议服装设计中的服装面料创意设计，是要说明服装面料是服装创意中的重要体现，以便为服装设计师们在设计服装款式与风格中带来更多的设计灵感和设计空间。
目前，社会经济、服装文化和各种科技得到空前发展，人们审美在不断更新发展，有关服装设计在创意的要求越来越高，于是给服装设计师对服装的设计方法和设计技巧也提出了更高的要求。服装设计离不开服装面料，它是一种综合运用面料款式、图案与色彩等元素进行设计的一门艺术学科，不过现有服装设计款式与服装造型结构似乎均被众多服装设计师开发殆尽，想要另辟蹊径对服装设计进行创新，却进入了一个瓶颈期。在这种服装设计形势下，服装面料的革新则显得很重要，服装面料的创意已然成为服装业发展的重要趋势，针对服装面料的创意设计成为服装设计师设计创新的主要方向。
服装面料素来被称是服装的皮肤，那些能包裹在人体身上的所有平面物均可被称是服装面料。面料是形成服装的基本要素之一，并且它能决定服装的风格及其呈现效果。服装的颜色和图案等因素均是由服装面料表现出来的，而服装的某一具体款式或造型也均是由面料厚薄、轻重和悬垂性等特性保障的。服装的创意设计需以面料为基础，被设计出来的服装的色彩以及造型均不能离开面料而单独存在，只能是在有了面料以后，才能有服装的色彩和造型。服装设计有关衣袋与腰带所处位置、衣领形态与大小等问题无关紧要，关键在于要选择什么样颜色与质地的面料。可见，面料对服装设计起至关重要作用。
目前，服装面料产品多种多样，在服装设计创意过程中，服装设计师要从市场上挑选符合他们设计创意要求的面料。服装设计师想要实现他们的服装设计创意，往往都要在服装面料上进行比较大胆的设计创意，用服装面料表现一种更新的视觉效果和更为独特的艺术魅力。有关对服装面料设计创意的方法比较多，但较为常见的设计创意一般为褶皱、缀饰和镂空等方法。服装面料的创意设计有一种加法原则，即在原有的服装面料基础上，由服装设计师采用绣缀、镶嵌、抽褶、填充和堆积等添加改造方法，给服装面料增添艺术魅力，让服装面料既符合自由的设计要求，又能更具感染力。在服装面料上刺绣，是一种比较典型的添加手法，它能使服装面料呈现一种浮雕式的造型美，还能彰显服装的设计细节与精致感。有很多服装设计师在服装面料创意设计中，都比较喜欢使用刺绣进行大胆创意设计，让服装面料风格体现传统元素与现代元素的完美结合。无独有偶，服装面料的创意设计还有一种减法原则，即把现有服装面料以抽纱、镂空、撕剪、磨损和腐蚀等方法进行处理，使其改变肌理特性，用以达到创意设计的创新效果。比如，用镂空手法对服装面料进行处理，则可使服装面料具有通透感，而以抽纱方法处理服装面料，又能突出被设计出来服装的层次感。不过，有很多服装设计师对服装面料创意设计往往都是采用综合设计原则，他们会根据服装面料性质，对其进行适当的剪、贴、扎和系等形式的处理，实现服装面料的创意设计，比如对服装面料进行剪切之后，再给予叠加处理，并在服装面料上进行刺绣或加花、加缀饰等，从而凸显服装面料的丰富肌理和视觉效果。服装设计师能够把握服装面料特性，结合当代流行新潮，采用综合设计原则，进行比较大胆的服装面料创意设计。
针对服装面料，人们一直在利用计算机和数字化等高科技研发面料组织纹理和新材料，并取得了很多研发成果。从服装面料品质性质演变来看，服装面料不单单是织造物的面料，像各种涂层面料和新材料制成的服装面料已经很丰富了。多种质地的服装面料为服装设计师提供了丰富的创意素材，他们会从各式各样的服装面料中得到更好的创意灵感。在服装设计师眼中，这些新颖的服装面料是他们实现独立创意的最好材质，他们将在服装创意设计中，将传统创意设计与现代创意工艺进行结合，并根据服装面料的性质，进行更多和更美的创意设计，其未来发展空间相对广阔，可将服装创意设计带入一个更有魅力的艺术领域。
随着社会经济的高速发展，人们的物质生活水平也不断提升，社会经济大发展的背景下，对服装面料设计方面的要求也日益提高。面料的二次设计，能够使得服装设计师跳出以往设计理念的枯燥氛围以及单一面料对服装设计的束缚和局限，同时也能够对服装进行全面、深层次的再次塑造，满足不同人对服装面料创意设计的要求。同时，多种多样的服装面料设计也能够使服装设计更加富创意和新意，给予设计师更大的发展空间和创意设计空间，使原本传统枯燥的面料形式更加多样化。设计师们在重视面料创意设计的同时，也要提高服装质量，关注服装的舒适度，避免服装面料给消费者皮肤造成伤害，同时要注重制作工艺的考量，注重服装质检工作，对不合格的产品进行返工。此外，人们的审美观念也在不断发生变化，面料创意设计也要随着潮流不断创新，只有这样才能让更多消费者认可。时代在进步，科学技术也在快速发展，而人们的审美水平同样在不断提高，服装是人们不可或缺的用品，但人们对服装款式与造型有了更高的要求，这就要求服装面料的创意设计要满足人们的审美意愿。摆在服装设计师面前的任务就是需要他们根据服装面料质地，结合传统和现代创意手法，对服装面料进行完美的综合创意，以不断满足人们对服装的审美要求。
［2］刘海鹏.美术思维在服装设计中的融入［J］.美术教育研究，2015（21）.
［4］韩云霞.面料再造在服装设计中的研究应用［J］.滨州职业学院学报，2007（04）.
随着人们生活水平的不断提升，废弃服装面料也急剧增加，废弃物所产生的社会影响也越发广泛，因此受到越来越多的重视。然而，我国尚未建立废弃服装分类处理制度，现阶段对废弃服装的处理不仅造成较大浪费，而且也对环境造成了一定的影响，不利于能源节省和环境保护。因此，研究一种绿色环保的废弃服装循环利用途径已成为目前社会关注的热点。而二次设计，亦称艺术再造，是创意性思维的表达方式之一，将其应用于废弃服装面料设计中，可以有效发挥服装废弃面料未尽的使用价值，实现废弃服装的循环利用，不仅解决了废弃服装的处理问题，节约了自然资源，也为设计师提供了一种新的设计思路。
主要有四种不同的类型，分别是变形性、整合性、破坏性以及附加装饰性，下出具体阐述。
在二次设计中，变形性设计主要指的是材质通过一些物理外力（如挤压、拉伸等）而使得原来面料表面的肌理发生改变，然后其外观呈现出新的形态，例如出现皱褶、抽缩以及堆积。
指的是结合不同的材质、色彩面料而实施拼凑以及整合的设计，这主要是有效突破我国设计中传统审美的范畴，进而使得色彩可以变得更加丰富，而形态也变得更加立体。
这种设计主要是对面料的表面添加材料（不同或者是相同的），进而使得附加物可以有效改变之前外观形态，并且也可以有效增加附加装饰的效果。这种设计手法可以呈现出变化多端的视觉效果，进而对人们的视觉带来一定的冲击力。
指的是破坏一些成品或者是半成品的面料，进而使得原有的结构特征发生变化，例如通过漂染、撕扯、镂空、磨刮、剪切、水洗做旧以及抽丝等方式进行加工，从而使得面料在色、形以及肌理方面呈现出看似不规律以及不完整的情况，然而又呈现出新意的效果。
废弃面料不同新面料，它们在外观、性能以及质感方面都表现出较大的差异性，例如多次穿着、摩擦以及洗涤之后，面料中物理以及化学性能的指标均已经发生较大的变化，有的出现褪色的情况，有的出现结构疏松的情况，有的出现强力降低的情况等，所以对这些废弃的面料进行二次设计，应根据废弃面料特性而采用相应表现手法完成艺术的再设计。
对废弃面料实施二次设计过程中所采用的手法较多，例如坠珠、刺绣、绗缝、抽纱以及砂洗等，然而这些不同的手法在新面料中都已经使用过，而废弃面料的特性已经发生改变，此时实施二次设计过程中就需要掌握废弃面料的特征，然而采用良好的设计手法增强作品的艺术性。
服装中的废弃面料实施二次设计，就需要充分遵循形式美，例如对比和调和、对称和非对称以及节奏、韵律等，然后结合废弃面料特性而设计出和谐之美的作品。
二次设计需要运用一些发散性思维、逆向思维以及抽象思维思考，根据不同种类的服装面料而实施发散性的思考，进而使得面料可以从色彩、肌理针以及结构方面而展示出美感，同时还可以结合设计者的特性而充分改造面料外观。
二次设计在实际工作中运用十分广泛，如可以用在服饰品、壁画、家居装饰品以及生活用品等，所以在设计中就需要对作品的用途进行思考，然后才能够通过色彩、面积、形状以及肌理方面进行搭配。
对于服装中的废弃面料呈现出不同的风格以及质感，例如柔软型、厚重型、挺爽型以及透明型等，所以在实施二次设计中就需要充分考虑这些因素，例如对于厚重型的面料而言，其自身的结构具有紧密以及厚实牢固的特点，此时在设计方面就可以采用变形设计以及破坏性的设计方式，进而可以有效增加面料的层次感以及趣味性；然而柔软型以及薄型的面料则可以采用装饰性以及变形性的设计，进而增强空间立体感。当采用破坏性的手法改造废旧的牛仔面料时，可以打造渔网造型的设计，这就使得原来的风格（粗犷风格）变得更有趣味性。
对于废旧面料而言，经过了长期的使用以及磨损，而且其色彩也呈现出一定的特点，例如亮度低、纯度低以及色相不匀，因此，实施二次设计中就需要对这些材料进行巧妙地改造。一般情况下会结合破坏性以及整合设计的方式进行设计。例如对于轻薄纱质的面料以及废旧的毛呢面料，则可以采用整合的方式而使得面料可以增强层次感以及浮雕的效果，进而可以使得作品中展示出生动形象的效果，这既可以更好地掩盖毛呢的色彩陈旧缺点，又有效突出面料的空间感以及肌理感。
这主要是针对不同的面料情况进行分析，有的是梭织的面料，有的是针织面料，因此，对于不同的面料结构需要采取不同的设计方式。如梭织面料，其结构较为稳定、平整，而且悬垂效果良好；然而针织面料则由于织物线圈的结构而使得单位长度中的储纱量多，有良好弹性。因此，在二次设计中就需要结合其结构的情况而实施破坏性的设计，例如灼烧、剪切、抽纱、磨刮以及撕扯等，同时还可以在面料中增加艺术美感的设计，例如刺绣、手绘以及钉珠等。因此，在设计过程中就可以结合其结构紧密情况而实施抽纱设计，把绿色的麻面料以及黑色的麻面料而结合在一起，使其颜色方面可以呈现出对比性，同时还可以在合适位置而镶嵌白色线迹。这一设计灵感主要是从万圣节的南瓜雕刻中而找到的，从而增加了设计的趣味性。对于平纹府绸面料而言，其可以通过剪切的方式而使得面料呈现出良好的舒展以及通透效果，然后再结合面料堆积情况而采用手针缝合的方式进行固定，进而使得不同形态的面料可以有效改变整体沉闷感。但是对于废旧棉质的面料结构而言，由于其结构具有稳定性，而且易上色特点，此时可以在采用传统的手绘方法而增添设计中的效果。例如将丙烯颜料绘在具体的图案中，同时还需要掌握好色彩比例以及明暗对比，进而能够展示出面料个性化。在针织面料方面则可以采用卷边性的方式而完成镂空处理米乐M6，例如对针织面料进行剪出破洞，从而呈现出卷曲、镂空的效果，此外，还可以在麻面料垫的帮助下而对破洞掏出，有效突出面料风格以及造型新颖。
对于不同的废弃服装面料进行二次设计，可以通过改变服装的格局，例如整体和整体之间的布局，整体和局部之间的布局等，这可以使得废服装中的废弃面料可以在二次设计中呈现出另一种视觉之美。但是，在设计中需要考虑面料强度，如结构的紧密程度、面料的使用较短以及强力织物的大小，所以在设计过程中就需要掌握结构的疏松、时间的长短等方式而实施改造。但是对废旧面料中的雪纺材质设计，而可以通过灼烧的方式而增加其优雅色彩。因为雪纺遇到火之后就会出现皱缩的情况，所以其皱缩肌理能够呈现出另一种美感。除此之外，在变形设计发方面，可以通过废旧的针织面料而实施褶皱堆积，这可以使得面料呈现出另一种效果，如层层堆叠以及虚实相间，进而有效地消除旧面料的弱点。对于浅色面料而设计，则可以和深色面料进行搭配，例如通过拼接的方式能够有效增强艺术设计感，进而提升整体面料的视角效果。
对于废弃面料而言，在设计方面可以对其整体风格实施一定的处理，例如拼接、折叠、绗缝、粘贴以及组合等，进而可以塑造出更加丰富的形态以及视角效果。
结合上文分析可知，服装中的废弃面料经过二次的创意设计之后，可以有效对一些废弃的面料进行改造，并保障其在符合条件的情况下有效地实现资源节约的目标，同时也能够将废物进行循环利用。然而采用这种方式所设计出的服装具有独特的视角效果，而且还增强了美学效果。因此，当前的服装设计过程中可以结合这些废料情况而进行综合改造，进而可以展示出服装的价值，并且也充分利用服装的废弃面料展示出其所具有的艺术价值。
[2]王祎.服装废弃面料的二次设计与运用研究[J].大众文艺,2011,16:92.
先锋派的服装设计创作概念和思维模式是一种游走在二维和三维空间之间的，极具挑战性和颠覆性的艺术设计。先锋派的服装,脱离了时间与空间的思维限制,追求服装设计的创新性能够给人们带来感官上的视觉冲击,可以不受约束地直接表现出设计师的设计灵感和设计理念,无论是面料还是造型上都追求大胆和新奇的创造力。先锋派的服装反映的是艺术与时装的紧密结合,令服装本身具有了更深刻的涵义,增强了服装的文化艺术价值,表达设计师对未来设计流行趋势新的引领,让服装设计更具有独特的个性，更是个性和自由化的象征。服装的功能逐渐向文化和精神的领域扩展，因而服装设计也需要随着社会的进步与发展不断地更新。对于服装设计师而言，不仅需要专业知识和实践的能力，更需要具备创意和创造性思维，并将艺术融入到设计中，从而创造出更多更具灵魂和思想的作品。对于服装专业人才的培养离不开创新思维和创造性思维的培养，因此文章以先锋派创意设计为核心，解读如何以创意前卫引领人才培养。
“先锋”是超前、先进、前卫的意思。可以理解为一种是时间意义上的概念，没有一种严格的定义，是超越于现实的设计风格；它代表的是设计的一种变化方向。先锋派是一种前卫艺术，由于对现状的不满足，而对现实艺术设计方向和规则的拒绝和脱离。而在不断的探索之中，先锋派不是背叛，而是一种创新。先锋派的历史自十九世纪法国的小浪漫派的活动开始，自此以后，超现实主义、现代主义、后现代主义等都是先锋派的代表。随着时代的发展，绘画、雕塑、设计等许多前卫艺术都在不断突破传统，不断创新，先锋派作为时尚的指标，被大众所广泛的接受。先锋派创意设计则是指对前人思想的一种创新，先锋派创意设计打破了对传统审美原则一味地追捧和信奉，这是对不和谐，不一致和不稳定元素的挖掘。它采用了冲突，无关序列重叠和解构布局，通过变形和扭曲、夸张、自相矛盾的建模以及运用浓烈和诙谐的色彩关系从而获得与传统的审美观不同的一种设计风格。
自20世纪末以来，许多设计师都受到视觉艺术的启发，并开始关注个性创造的重要作用，设计师们开始不满于固有的设计方法，而是希望通过不断地创新之后，进行大胆的艺术设计，希望能够通过强烈的创新意识和创造性思维来表达自己的设计思想。通过不断探索美学和艺术，通过色彩的搭配、不对称的组合方式创造出具备立体层次的作品，凸显作品的艺术效果，进而达到一种视觉上的冲击。比如：先锋派设计大师侯赛因卡拉扬的“Between”系列以样式的黑色长袍展现，表达了对西方传统时尚感的质疑；亚历山大麦昆以《飞跃疯人院》为灵感的会的最后一幕给人带来新的刺激。通过全身赤裸的模特口中插着输液管，身上爬满落叶和昆虫，展现了超现实主义的遐想，这些都是极具代表性的先锋派的创意设计。
“大胆、创新、进步、实验”这些描绘艺术的词语都在表达着突破界限和创造变化，而这些特征也是对于先锋派创意设计很好地诠释。而先锋派创意设计所包含的大胆、创新、进步和实验的这些特征在高校人才培养中也起着积极作用，能引导学生打破传统理论知识的束缚，培养学生的创新思维。在培养高校人才的同时，以先锋派创意设计理念为先导，促使学生“创中求变、创中求新、创中求进”，进而产生强大的人才效益。
笔者作为2019中国国际大学生时装周长春大学旅游学院会服装设计总指导，先后受邀去法国、意大利、英国、德国、日本等国家考察和学习，对于欧洲以及世界前沿的艺术流派和设计风格做了深入的考察和研究，深受先锋派艺术和设计大师的影响。英国著名的先锋派时装设计师亚历山大麦昆，他的设计总是妖异出位，充满天马行空的创意，极具戏剧性,并且作品常以狂野的方式表达情感力量、天然能量、浪漫但又决绝的现代感，具有很高的辨识度。川久保玲的设计独创风格十分前卫，融合东西方的概念，被服装界誉为“另类设计师”。她的看似古怪的思想，实际上是非常深刻的而且深得无底，她的作品，以其不对称、叛逆的设计颠覆时尚界；山本耀司的作品，以黑色为主调、不对称的造型是他最具代表性的风格，他的时装创作正是以一种无国界、无民族差别的手法把这个谜展示在公众的面前。在这些设计大师的感染和引领之下，笔者对先锋派创意设计有了更进一步的认识，并被这些设计大师的设计手法和设计理念也深深地感染，尤其是以玩味奇特建筑形态而享誉世界的美国建筑大师弗兰克盖里，他用极具独创性的建筑形态来向世人展示其非凡的艺术创造力和空间想像力。他的一系列作品在不断突破传统审美法则的同时，也体现了弗兰克盖里为追求自由、彰显个性在建筑创作上孜孜以求的伟大精神。艺术源于不断地积累，通过不断地学习、积累、探索，为以后的设计奠定了扎实的基础,并更加坚定了笔者国际化的视野和前卫先锋的设计路线。
在2019中国国际大学生时装周上笔者精心策划并指导了以“塑”为主题的长春大学旅游学院服装作品会，这些发自内心情感倾诉的作品表达了笔者时尚、夸张、前卫的设计理念。通过不对称、重叠和结构重组的方式来展现服装作品的立体层次，通过多变的风格、多元的设计元素、多种面料的混搭来突出服装设计的艺术效果，充分利用超现实主义的表现手法来展现设计，以达到视觉上的冲击。在面料的选择上米乐M6，大多采用环保天然的面料和肌理明显的多元组合，模糊季节的限制，从不同的角度重塑作品的精神。在此次设计中融入了东西方文化元素，通过全新角度的展示体现了服装的独特魅力。笔者指导的2019中国国际大学生时装周长春大学旅游学院会作品中（图1-图12），学生的作品《V-韵》通过色彩的搭配、轮廓和结构的融入，展现出了新女性张扬的个性和独特的韵味，作品淋漓尽致地表现出了设计者追求女性自由的设计理念。图1作品《Mirage》系列以黑白两色为主，以神秘、坚硬为主线来创造整体风格。黑白色皮革的兼容，营造出坚定迷人而又神秘的朦胧感，里外结构叠加让服装的层次感更加突出；直线简约的H型的设计，塑造一种钢铁般坚硬的外观形象感觉，整个作品褶皱、色块的拼接设计感凸显，完全表达了一种特殊的艺术效果。图2作品《Thesamecolour》主要想表达反对种族歧视，因为每个人身体里流淌的都是一样的血液，所以想到用最鲜艳的红色来表达，可以形成强烈的视觉冲击。此次设计在服装基础款式上进行了改造，让造型变得更大、更奇特。也重新进行了面料改造，让原本单薄的布料看起来有一堆重叠的布料堆积感，增强结构层次不对称的感觉，看起来轻松随意，却又有强烈的设计秩序感。图3作品《Recollect》设计灵感来源于哥特式建筑，并以欧洲中世纪社会街头的艺术气息为主题背景。运用层叠多飞角的立体建筑造型转化到服装的结构中加以塑造，采用堆叠的，夸张的、不对称的、奇特的造型手法表达服装的神秘而高贵的艺术效果。其中褶皱的处理增添了整个系列服装的层次感，硬朗的轮廓线条呈现的强烈视觉冲击给人以震撼，俨然一枚行走的艺术建筑，大胆且无畏，神秘、冷艳而高贵。图4作品《Thedancer》：设计灵感来源于西班牙的弗拉明戈舞蹈，通过服装的奇特造型表现女性穿着裙子舞蹈的感觉，利用各种不同的结构表达出飞舞裙摆的造型。通过雌雄同体的造型理念创造出由男模穿着的不再循规蹈矩的另类服装，让人精神振奋，充满舞蹈的节奏感。解构主义先锋派的设计风格结合PVC新型面料，幻化成强烈的未来感概念性服装。图5作品《DISTANT》：服装设计着力于融合服装与建筑的设计理念，重新解读与颠覆传统服装的结构。鉴于对于立体主义与现代风格的钟爱，设计出特立独行的前卫轮廓与独到质感的服装。凭借着对于服装色彩与时尚明锐度的把握，将色彩美学与服装完美地结合，运用简单的分割处理，大块利落的剪裁，反复叠加增加了层次感，而流苏的点缀，增加了细节上的可观赏性。在材质方面运用轻巧的杜邦纸面料与空气棉复合，使得服装有柔软舒适和奢华的感觉，通过结构重组的模式呈现出一种全新感官体验，带来了新的视觉冲击。同学们以先锋派创意设计打造出了个性化的风格和全新的设计灵感，在服装的选材上采用天然环保的材料，展现了设计师们环保的设计理念。时装秀场上，多变的服装设计风格在灯光的配合之下，展现出了独特的韵味。先锋派的创意设计引领着学生在创意设计中推陈出新，在设计中不仅能够淋漓尽致地表达出自身的设计理念，更是以色彩的搭配、轮廓的融入，给观众营造出视觉上的冲击。
先锋派创意设计可谓带来了一场视觉上的盛宴，在活动圆满结束的基础之上，学生们也都收获满满，在为自己毕业作品画上圆满句号的同时也是对自身创意的一种检验。同时时装周对于服装专业人才培养也有着非凡的意义，主要体现在以下几个方面：第一，通过参与中国国际大学生时装周，能够进一步培养学生的学习兴趣，激发他们的创新意识，并开发他们的创新潜力。首先，在这个过程当中从起初的设计草图到最终的成衣制作，甚至是最后的整体气氛，老师可以更加有针对性地进行一对一的辅导。其次，对于学生而言可以完成一个完整的设计过程，能够加强对于各个环节的理解，在消化课程内容的基础之上，根据老师的指导引入新鲜的理念，打破传统课堂的束缚，能够更有效地培养学生的创新精神和创意思维。再次，时装周能够促使学生更加认真、更加投入地完成设计任务，会更积极地寻求与创意相关的素材来完成自己的创意。充分发挥自己的创造性思维，构建出具备独特风格的设计作品。第二，通过参与中国国际大学生时装周，学生和教师都得到了锻炼，时装周也是对于服装专业人才的一个考量。通过时装周动态的展示，能够反映出学生对于专业知识的掌握程度，也能够反映出学生是否具备创新和创造性的思维，为未来服装专业人才培养的调整提供良好的标准和考量。服装专业人才培养中，创新精神和创造性思维是非常重要的。而创新能力的培养离不开实践的指导，比如：时装周为学生和教师提供了一个实践的平台，通过这样的实践让老师和学生能够将创新性思维进行很好的落实，并寻找出不足和尚待完善之处。第三，时装周为服装专业教学提供更广阔的空间，为服装专业的发展提供了良好的机遇。除此之外，通过时装周汲取新的理念，洞悉市场的发展需求，以不同的创意风格带来思想上的冲击，拓宽学生的思维范围，开阔学生的视野，最终激发学生的设计灵感。
服装业不仅是一个时尚产业,还是一个日新月异的行业，因此需要一个快速的反应机制和设计的引领性来与之匹配。高校服装专业人才的培养则需要针对市场和企业的需求，以就业为导向，培养具有创新能力和实践能力的服装设计人才。服装是一个兼具使用价值和艺术价值的综合体，作为创意产业的“灵魂师”，服装设计师既要有创意理念，又要有创意思维。因此服装设计人才培养需要复合型人才，这就决定了高校服装专业人才培养在具备基础素质的基础之上，要具备创造性思维，不断拓宽学生的视野，向培养创新型服装设计人才的目标进发。高校服装设计教育发展的最终目标就是人才的培养，而人才的培养就需要不断地挖掘学生的潜质。服装设计人才的培养需要打破传统的枷锁，重视创新意识和创造性思维的培养，而先锋派创意设计挣脱了传统的束缚，以创新和探索精神来表达创意设计。在教学过程中要将先锋派出现的时代背景，通过先锋派设计理念的分析让学生对于先锋派创意设计有进一步的认知。除此之外，在实际的人才培养中也要突破传统的局限，多以一些优秀的设计作品感染学生，激发学生的认知，比如：亚历山大麦昆的“残疾”系列；侯赛因卡拉扬的“Between”系列等都是极具代表性的。学生在充分认知先锋派创意设计的基础之上，才能够将其更好地融入到自己的设计之中，才能够在今后的设计中突破传统的束缚，以不一样的风格引领服装设计。
灵感是艺术家在创作过程中所展现出来的，灵感在艺术创作中也是不可或缺的，但它不是来自想象，而是在材料和信息积累到一定程度，通过分析、推敲或者受到某种因素的影响而产生的启发，是在一瞬间产生的想法。众所周知，灵感往往是一瞬间，这就需要设计者能够及时捕捉，只有这样才能够造就成功的作品。学习前人的经典、不断累积创意元素是学生创新性思维培养的前提。随着社会不断地发展，设计师们也不断创造出各种形式的新鲜事物，成功的案例、经典的作品、各种各样的时装周，通过信息化的手段都可以尽收眼底，并以此来激发学生的创造性思维。而发散性思维在创造性思维中又显得尤为重要，通过以点带线、由线到面、由面到体的多向思维方式，创造性地开辟新的天地。而学生先锋派创意的培养需要广博的知识面，当学生拥有较为广博的见识之后，思维自然就不会受到传统设计理念的禁锢。在服装设计人才的培养中，老师也可以以信息化手段为基础。一方面通过信息化手段来不断丰富和创新自身的设计理念，另一方面，在课堂之上利用信息化手段为学生提供更多作品以供学生在课堂上探讨、揣摩和总结。比如：薇薇恩韦斯特伍德是杰出的时装设计师，她打破了传统的精细严谨的塑造方式，而通过撕破的衣服等夸张的手法来塑造性感的特征；侯赛因卡拉扬是先锋派的代表人物之一，他的设计非常超前，他在1998年的秋冬系列中，模特用透明的红色塑料封住嘴等怪异的打扮彻底吸引了时尚界的目光。如果能够引导学生对这些作品进行欣赏和研究性的学习，那么学生的思路就可以很有效地进行拓展和丰富。通过不同设计作品的展现和不同风格的设计让学生能够多方向和多角度地去思考，从而更好地吸收这些设计大师的精髓，并以此为启发进行延展设计。从面料的选择、结构的设计和色彩的搭配等方面将先锋派创意思维贯穿于始终，促使学生创新思维习惯的养成。此外，老师更需要引领学生广泛涉及各个领域的知识，比如：建筑设计、雕塑、绘画、戏剧等，通过视觉上的冲击，激发学生的创意灵感，通过多维度的认知加深学生对于艺术的理解。
首先，在实际的教学中老师可以充分利用往年的大赛内容为实例进行教学。在以实例进行教学的过程当中，学生可以以命题为依据，对于设计要求更好地理解，然后思考以怎样的角度去设计，以怎样的设计原理、怎样的结构布局、怎样的选材来完成设计任务。通过实例能够让学生将其创新性的设计想法进行很好地落实。通过命题设计能够激发学生的创新思维，同时也是这种先进理念的一种落实。其次，实践育人其实是对传统教学方式的一种颠覆和革新，也是一种改变和提升。实践不仅是理论的实验，而且是创造性思维的具体实施。俗话说：百闻不如一见，一见不如一干。因此先锋派创意设计引领高校人才培养的落实，需要以大赛为载体，促使学生充分发挥他们的创意，活跃他们的思维。因此可以充分利用时装周等赛事，促使学生在各种国际大赛中拓展思维，落实自己的创意设计。再次，大赛能够促使学生更加全身心地投入，更加广泛地进行材料的搜集，能够更加调动起设计思维。同时大赛还能够促使学生更加主动地与老师和同学进行交流和探讨，在头脑风暴中也会激发设计灵感，进而能够构建出根据个性的服装设计作品。
服装设计人才的培养需要注重两个方面，一是创新意识，二是设计能力。设计能力虽然很重要，但是没有创新的思维是没有办法长期从事专业工作的能力和动力。因此，学校通过对毕业设计的重新规划，能够更好地对学生进行全程的指导。通过毕业设计检验学生对于专业知识的积累，对于先锋派创意思维的理解、吸收和运用。在毕业设计中学生能否把握住潮流趋势、能否冲破传统的束缚，能够将先锋艺术很好地运用到自己的设计中都能够得到很好的检验。因此，老师通过毕业设计的全程指导能够更好地培养持续发展潜力，能够更好地激发出学生长期积累而未能够发掘出来的创意。
首先，服装专业人才的培训不是独立的，是服装产业发展的一部分。因此，需要学校、企业和个人的全方位参与。以校企合作为平台，促使学生先锋派创意思维得以延续。通过校企产业技术平台的搭建，促使学校和企业的协作水平进一步得到提升，通过协作水平的提升促使双方的研发能力和创意设计都能够得到改善。企业先进的技术设备、一流的市场经验、实战丰富的设计师都将有益于学生创意思维的延续。其次，学校鼓励大学生开展创新创业活动，一方面通过聘请一线的优秀设计师担任创业导师，为学生带来新鲜的市场信息和丰富的实战经验，从而促使学生的创新意识能够适应瞬息万变的市场环境。另一方面通过“服装创意设计工作室”、“创客空间”的建立，鼓励大学生将先锋派的创意思维进行延续，乃至于将来成为品牌，让更多的人认识并且接受先锋派创意设计。再次，更多优秀的学生通过校企的深度合作被企业所引进，而企业为这些设计师创建自己的品牌工作室提供有力的支持，为他们创造良好的设计环境，并且组织设计师进行赴外考察。学生通过良好平台的搭建，不断地积累经验、拓展视野，进而也为自身创造性思维的拓展奠定了基础。
在服装行业快速发展的今天，如何能够培养出具备创新意识、创造性思维的服装专业人才是每个教育者值得关注的问题。服装设计不能够因循守旧，要勇于打破传统的枷锁，这样才能够创造出更具思想和个性的作品。因此，高校在人才培养上要注重学生创意、设计以及实践能力等方面提升。以先锋派创意设计打破传统设计理念的束缚，打破常规，以不和谐、不统一、不稳定冲破对传统的信奉和追捧。以创新意识和创造性的理念促使服装专业人才思维意识的开拓，打破传统设计理念的束缚，培养独立的设计思想意识，以超前的国际视野独特的风格引领时尚。
1、孙方姣、李强、苏丽云：《2019年中国国际大学生时装周的分析》[J]，服饰导刊，2019年04期，第90页-94页。
2、克里斯多夫查莱克,刘宝：《先锋与艺术的终结》[J]，汉语言文学研究，2018年03期，第4页-11页。
3、王旭影：《比格尔（先锋派理论）对艺术的期盼》[J]，文学教育(下)，2020年02期，第40页-41页。
4、任梦：《以赛展促教法在服装立体裁剪实践教学中的探讨》[J]，轻纺工业与技术，2019年08期，第163页-164页。
进行云纹元素在服装创意设计中的应用的研究就要从云纹元素的的发展历史开始研究。具体的来说，云纹元素的历史发展和远古历史时期人民群众对自然的不了解是分不开的。在那样一段历史时期，人民群众是搞不清楚自然规律的变换的，相应的来说，在古老的人类社会，人民群众是对大自然的天气变化有着莫名的恐惧和敬畏感的。与此同时，由于在那样一段历史时期，人民群众的作息规律和农产品的收获和天气的情况有着直接的联系，这就导致人民群众产生了对自然天气变幻的敬畏感，进而对天气的变化抽象成为了相应的元素团变化。随着历史文明的发展，这些元素开始和我国的文明交织在一起，形成了当今社会的云纹元素。
探究云纹元素的发展历史，就要从我国的传统文化思想进行分析研究，在我国，传统的思想文化和我国古代社会的政治文明特点有着密切的联系。在传统的中国社会，人民群众普遍认为云纹是上天的恩赐，是代表着宁静祥和，是大自然平和的象征，也是象征着人类社会不断向前发展的内在动力之一。在这样的背景下，云纹元素一直作为祥和的代表，存在于我国的历史文化之中。与此同时，随着云纹元素的长远留存，云纹元素也开始发展成为了我国传统文化的代表之一。目前，云纹元素更是和我国的现代文明融合在一起，迸发出了新的生机与活力。
在进行云纹元素设计的过程中，要充分的考察云纹元素所具有的内在美。具体的来说，就是在进行云纹元素设计的过程中，充分的考察到云纹元素所具有的线条流畅之美，并通过对云纹元素的进一步优化设计，给予人民群众美的享受。与此同时，由于云纹元素在我国向来就具有着高贵典雅，雍容华贵的特点，通过对云纹元素的有效利用，添加进云纹元素新的时代内涵，有利于更加深刻的反映出云纹元素的特点，提升云纹元素的艺术价值。这些富有优美动感，起伏回旋的艺术形式，展现着生机和活力的动态美，作为中华民族早期审美实践的产物，显示了生命元素在审美感觉或审美心理上的体现，具有极高的艺术审美价值和历史研究价值。
在云纹元素的利用过程中，要充分的考虑到云纹元素和当时的生产力之间的关系，通过相应的生产技术，有效的体现出在云纹元素之中蕴含的艺术价值。具体的来说，在进行云纹元素的应用过程中，要结合分析当时的纺织生产条件。例如，在商朝时期，当时的生产技术还相对比较落后，所制备出来的云纹元素也只是使用的手绘工艺，其艺术表达效果也相对比较简单。到了汉朝时期，随着纺织技术的快速发展，云纹元素的艺术表现手段也开始丰富起来。与此同时，为了满足贵族阶层对于雍容华贵的需求，在进行云纹元素的应用过程中，还充分的考虑到了对于各种元素的优化利用，提升了云纹元素的艺术表现效果。
在进行云纹元素的利用演变分析的过程中，也是要结合云纹元素的实际特点来进行设计。具体的来说，在云纹元素的利用过程中，也是随着时代的变化而不断产生变化的。在商朝时期，当时的人民群众的娱乐活动相对较少，人民群众的生活水平也相对较低，这也就导致在这样一段历史时期之中，所进行设计的云纹元素的特点也是相对比较单一严谨。随着时代的发展，到了汉朝时期，随着经济的发展，人民群众的物质生活水平大幅度提升，人民群众有了更多的心思用于云纹元素的设计，这也就导致这一段历史时期的云纹元素的利用水平开始大幅度上升，对于云纹元素的设计也开始呈现出多元化色彩。在这样的一段历史时期，社会上的各个阶层开始利用云纹元素制备出符合自己特点的作品，与此同时，在云纹元素利用的过程中，社会上的各种文化因素也开始对云纹元素的构造产生影响，云纹元素的发展也开始受到文化因素的影响。在这样的背景下，随着劳动生产力的升级，云纹元素的表现水准也是随之升高。
随着现代消费水平的逐步提升，人民群众对于美的追求也开始变得丰富多彩起来。具体的来说，在进行艺术消费品的设计的过程中，既要充分的保证人民群众对于现代时尚感的追求，也要充分的保证服装的传统艺术表达效果，让人民群众通过对云纹元素的欣赏，逐步的喜欢上云纹元素的艺术表达效果。云纹在现代服装设计中创新应用时，要充分利用其独特的审美特性，把握云纹在每个时期的造型艺术特点，运用现代设计语言，将云纹图案简洁时尚化处理，与现代服装结构相结合，创造出满足不同艺术风格的服装。
在进行现代服饰的设计过程中，要充分的考虑到将现代服装和传统的云纹元素结合在一起，与此同时，在进行设计的过程中，要充分的考察到我国传统文化的精髓之所在，通过对于我国的传统文化的追求，提升服装的艺术表达效果。具体的来说，在进行现代服装的设计过程中，要充分的考虑到，所设计出来的现代服装能够满足大众的审美需求。与此同时，在进行现代的服装设计的过程中，还要充分的吸取到传统的物质文化精髓，将传统文化的内在美添加在服装之中，提升服装的内在美。在进行云纹元素的设计过程中，要充分的的考虑到在中国的传统文化中，往往使用的物质的外形来表达更加深刻的内涵。在这样的背景下，就可以通过云纹元素这样的艺术表达形式，来更加深刻的展现出艺术作品的内在文学价值。与此同时，在云纹元素中，还积淀着我国的传统文化数千年的积累，具有着丰富的文化价值，也是积淀了丰富的文学情感。
随着全球化速度的加深，现代文明之间的碰撞越来越剧烈，在这样的背景下，人民群众所接受到的文化也呈现出多元化色彩，人民群众在接受文明的过程中，也在不断的遗忘自身的属性。针对这样的情况，在进行服装设计的过程中，要充分的考虑到对于传统的民族元素的坚持，保证民族元素的多元化色彩。我国的传统文化向来比较坚持对于意境的追求，尽可能的将中华民族精神的艺术美感呈现出来。
在我国的传统文化中，进行云纹元素的设计过程中，要充分的考虑到云纹和龙之间的关系。具体的来说，在进行设计的过程中，龙往往会以一种腾云驾雾、上天入地的形象存在。例如，在进行艺术设计的过程中，要充分的从实际的云纹情况入手，并考虑到在进行云纹设计的过程中，将抽象化的龙头作为设计的对象，并通过对于龙头的设计优化，展现出整个服装作品的雍容华贵和艺术之美。
在进行服装的云纹元素的设计过程中，要从以下几个步骤进行设计：首先，要对进行设计的服装所使用的面料进行设计，并充分的考虑到服装所使用的原料的特性，进行对于服装的具体形状的修饰；其次，在进行服装的再设计的过程中，要充分的考虑到对于云纹元素的凝练，具体的来说，就是充分的吸取现代艺术的优点，并借鉴我国传统的艺术表达方法，勾勒出艺术设计的图形造型方法；最后，在进行服装的艺术设计的过程中，要充分的将服装设计的造型和云纹的艺术表达形式结合在一起，灵活的展现出相应的艺术内涵。在这样的艺术设计背景下，采用云纹设计的造型来勾勒出相应的设计图案。
我国的神话传说蕴含着丰富的故事性和文化性，在不同的神话传说故事中能够体现出独特的地域特色和东方魅力。它存在于民间口耳相传的传说里，也出没在文人大家笔墨渲染之间，更是体现在不同形式的艺术作品里。《山海经》《聊斋》《搜神记》等经典神话故事中的神、鬼、怪等形象经常成为创作灵感素材出现在画家工匠们和各类设计师的作品中。因此在服装专业课程中融入传统神话文化元素注入深厚的传统文化精髓，以此培养学生的文化内涵，启发学生的创造性服装设计能力。
（一）课程特点。服装创意设计是一门旨在引导学生运用创造性思维开展服装创意设计的服装专业课程，是服装与服饰专业学科的拓展课程，在服装专业教学中具有提高性作用。以创意创新为教学目标，将科技、历史、文化等知识内容与服装创意设计有效融合，打破学生惯性设计思维，并通过服装创意设计的多种设计手法的训练，呈现出多元化的设计学习空间，从而使学生拥有创造性思维能力和创意服装设计的能力。
（二）课程授课现状。在现在的服装专业课程中，越来越多的高校在专业课程中注入中国传统优秀文化，来加强学生的文化内涵和民族自信。但是课堂上对于中国传统文化的授课大多停留在教师的理论讲授和教材书本上，由于教学内容和教学方式的单一，导致学生对于传统文化的学多停留在表面，缺乏创新性思考，设计专业学生对于传统文化元素符号的使用也仅仅停留在表面形式，忽视了传统文化中深层次的内涵。只有从创新的角度挖掘传统文化的魅力，引导学生深入发掘传统文化的魅力，多方位提取审美设计元素，才能让学生在课堂设计训练中传承传统文化的精髓做出有市场潜力的服装设计作品[1]。
（一）中国神话文化概述。我国神话传说是古人情感的寄托于智慧的结晶，蕴含着深厚的文化根基，是中国传统文化必不或缺的一部分。深入研究神话故事的文化背景和内涵为现代设计师们提供了绵延不断的设计灵感和创作素材，对于继承和发扬中国传统文化也起到重要的作用。中国现代服装设计师以各种创作手段呈现出了丰富的服装创意设计作品，对于高校服装专业课程的教学也提供了生动的教学案例。
（二）在服装创意设计中的运用。在服装创意设计中，将色彩、图案、面料的独特设计不仅呈现出中国传统文化意境，同时又要符合现代服装的审美。中国传统神话故事中，龙、凤常常作为一种祥瑞的神兽出现在我国历代工艺品中，也成为现代服装设计师常用的文化设计元素。中国设计师熊英在盖娅传说2020秋冬系列《山水霓裳》的一款婚庆礼服中，就采用了龙凤呈祥的图案元素，以图腾绣金的技法在改良款秀禾服上呈现，营造出典雅的服装风格。中国设计师品牌MUKZIN密扇，在2018年S/S系列“山海错”中，将《山海经》中光怪陆离天马行空的神话元素进行提炼，以现代的设计手法交织在服装设计中，采用刺绣、拼贴、堆叠等手法在服装上呈现出了一个立体、趣味的视觉意境。中国台湾设计师品牌夏姿陈在2015S/S的系列设计中，也采用了《山海经》中的神话文化元素，将书中所描绘的山海、动植物以具象的设计表现方式用在服饰图案的设计中，中国传统刺绣技法将图案呈现在服装上，营造出美好的意境，也使得服装呈现出高贵典雅的美感[2]。
（一）教学方式多元化。在服装创意设计课程中融入传统优秀文化，丰富教学实践手段可以加强学生对民族文化的认知，中国传统神话文化种类丰富形式多样，要引导学生提取传统文化设计元素融入课堂设计实践进行创意性设计思考。首先要结合地方文化特色，让学生进行校外考察去展览馆、艺术馆、博物馆等进行实地学习和资料收集。其次在课堂上，以命题设计的方式进行教学活动，师生需要进行深入的讨论交流，将虚幻模糊的设计元素进行整合和提炼，进而引导学生在设计实践中逐渐形成自己的设计方案。结合课堂理论教学与校外的实践教学通过多种形式让学生对中国传统文化进行深入感受和思考，以便让学生在课程中高质量完成课程目标。
（二）启发学生创造性思维。服装创意设计课程教学内容中涵盖了面料再设计、图案创意设计、色彩创意设计、结构创意设计等丰富内容，在此过程中教师应尊重每个学生的不同的创造力，鼓励创新思维，突破思维的局限性。中国传统神话文化中有着丰富的主题，如《山海经》中关于山川河流、动植物的神话故事十分庞杂繁复，如“飞鱼”“鸟身人面”“九尾狐”、百神之所在的“昆仑山”等等。在课堂教学中通过设计演示来引导学生进行各自的设计创作，如可以举例《山海经》中一个神话形象“文鳐鱼”，此鸟“鱼身鸟翅”，我们通过文字的描述在脑海中有了一个大概的形象，然后再收集大量的鱼和鸟的形象进行梳理，提取可用的元素通过艺术化的手法得到图案设计，然后可以将其运用刺绣、印染、拼贴等技法体现在服装创意设计作品中。这些神话形象给予我们在设计创作中无限的遐想，作为教师可以引导学生在课堂上充分发挥想象力和创造力，提炼有效的设计元素去完成相关艺术创作。教师应积极引导学生发掘更多创新的服装设计方式，优化设计方案，在课堂教学中通过进行大量开拓思维训练让学生进行灵感抓取，结合材料创新、结构创新、工艺创新等训练以提高学生的创造性思维设计能力[3]。
（三）以中国传统神话文化元素进行命题创作。我国传统神话蕴含着深厚的民族魅力和文化元素，其中生动的瑞兽、神、鬼、魔、精、怪等形象可以给予服装创意设计绵绵不断的创作灵感和设计元素，是服装创意课程内容的宝库，可以把传统文化元素在服装专业课程中更好的传承发扬。在学生的专题设计训练中，以设计实践为目的，设置神话文化元素的命题创作设计，让学生通过查阅资料、拓展思维、设计实践等过程进行系统性的进行命题相关的设计训练，从而达到提升学生文化素养和专业的设计素养。神话元素在服装创意设计中的应用手法，根据传统神话中的鬼神怪等形象的神话元素进行艺术化提取，引导学生将其按照当下的设计审美需求进行再设计，通过抽象夸张法、自然模仿法、立体表现法等方法把设计元素进行整合设计，最终把多种神话文化元素运用在服装造型或是服装图案设计上，使其呈现出富有东方色彩的意境美。让学生的服装创意设计作品不仅具有文化性、功能性，更富有趣味性[4]。我国经典神话著作《山海经》，其中描写的各种神兽瑞禽、山川河流都蕴含着我国古人的智慧和对美好的向往，均可以作为设计元素给服饰图案设计提供灵感来源。例如“青丘山九尾狐”这个神兽形象，“青丘之山，有兽焉，其状如狐而九尾”。形象生动且令人浮想联翩，可以以此为命题创作的课堂任务，引导学生大量收集古籍资料，在课堂上头脑风暴拓展思维。提取九尾狐灵动的形象进行艺术创作，借助创造性艺术表现力结合色彩的搭配，将设计元素加工重组使其形成生动的服饰图案，运用印染或者刺绣的工艺手法体现在现代创意服饰的设计中，使其系列设计作品注入富有东方色彩的文化灵魂[5]。
选择典型的服装实物（紧身型、合体型、宽松型等各种造型或衬衫、裙子、裤子、大衣不同品种），测量服装的规格尺寸和各个部位的松量进行总结归纳。看图设定尺寸，通过讲解人体部位与服装的关系，帮助学生了解依据观察图中的人体，分析把握服装的长度和围度尺寸，利用大量图片的阅读进行训练。在教学中，通过测量一系列的成衣尺寸，逐渐建立数据意识，再通过分析图片来强化和运用数据。这种训练，一方面让学生积累相关的数据经验，为学生的平面制版进行了数据准备。另一方面，从技术的角度，让学生将各种服装造型落实到具体的数据上，将设计造型与版型切实地联系在一起。
将平面的面料转化为立体的造型，这之间确实可能产生很大的误差，设计师除了通过对人体结构的了解及多年的设计制版经验来减少误差外，还常常利用立体裁剪和坯布确认的方法，来修改和完善设计造型。
坯布试样是产品开发过程中必不可少的一步，因此将坯布试样引入到版型设计课中，目的是培养必需的专业技能。同时，学生对自己打的平面版型，可以看到直观的立体效果，帮助他们解决一些在平面制版上不易理解的问题。
在一些特殊的部位和特殊造型中，如领型、袖型，或特殊的门襟、衣摆等，运用立体和平面裁剪相结合的手段，得到平面版型。在版型设计课中，立裁主要体现在教师利用立裁讲解，以及学生运用立裁在人台上修正或获取领型、衣长等局部造型。
以制版为核心的服装技术工作具有严谨细致的工作特征，应强制性地让学生记忆必要的数据，如原型制版公式、基本的人体数据（标准的和自己的），对学生的制版方式，顺序进行强化性的训练，从而达到制版的规范化和程序化要求，同时要求学生将所学内容整理成1∶4的小制图，配上坯布完成的照片并装订成册。在使他们加深理解的同时掌握学习的方法。通过这一系列的限制性教学手段，学生在制图的规范性、制图程序等方面都能达到一定的要求。
版型设计课的核心应该是款式变化，但是学生的注意力常常放在公式和数据上，这使得他们往往在制版中忽略了制版的核心：人体和设计。因此我在教学实施的过程中，通过讲解更多的版型变化规律，使学生认识到设计与制版规律的一致性，体会从技术的角度思考设计。
教学中我力求让学生意识到，数据的背后是人体结构和造型。因此，我利用平面制版与立裁结合的方法，讲解数据与人体的关系，引导学生当脑子里缺少数据时，应知道如何得到数据。在教学中，除了一些最基本的公式和数据外，我极力避免给学生所谓的“定寸”，而是将服装中的分割线结合具体款式，分为结构线和设计线。结构线之间的数据关系由人体、着装功能、服装品种来决定，数据常常带有限制性，需要学生强化记忆；而以装饰设计为主的造型，如装饰线、领子大小、袖口肥瘦、衣服长短作为设计的组成部分，我从来不给学生固定尺寸，而是充分发挥他们的设计潜能，训练他们通过感受造型后自己给数据，并对数据进行总结。让学生在立体造型中将设计美感与技术相结合。这样的练习能让学生体会对数据的主动把握和思考，因而对自己运用过的数据印象深刻。另一方面，训练学生的数字感受力，这对于将设计从平面转化为立体造型是至关重要的。同时米乐M6，让学生在掌握了制版的技术规律的同时，延伸更多的款式设计，为他们的创意打下坚实的基础。
对于一个优秀的设计师来说，对服装造型美的感受力是非常重要的，而今天时装的快速多变，要求设计师与制版师都要具备较强的时尚感。因此，面对变化繁多的服装样式，学生必须具备分析能力和自我学习能力。具备这两种能力的前提条件是扎实的基本功和正确的思考方法。在教学中，我运用了举一反三、以点带面的教学方法，从基础版型变化入手，结合流行时装进行分析归纳，寻找版型上的规律。同时，逐步引导学生认识到，版型变化的规律是与造型设计变化规律相一致的，版型变化的方法也揭示出了设计是有章可循的，因此理解了版型变化规律也就能够更加深刻地理解设计规律，从而体会设计与版型、工艺是一体两面。
领型的设计是围绕着颈部结构展开的一系列的造型变化，它包括各种结构式的设计。大体上领型从结构上可以分为无领、立领、翻领、驳领、娃娃领。可以说我们看到的千变万化的领型都源于这几种结构。在版型设计课之前，学生们已经学习了几种基本领型如立领、女士翻领、衬衫领、娃娃领的制版方法。因此本课的重点并不是多教几种领型，而是在教授新领型的同时，寻找到流行领型与原有基础领型的联系，掌握变化的思路与方法，使学生学会对结构的自我分析，并通过自己的理解进行制版。
领型的设计是围绕着颈部结构展开的一系列的造型变化，它包括各种结构式的设计。大体上领型从结构上可以分为无领、立领、翻领、驳领、娃娃领。可以说我们看到的千变万化的领型都源于这几种结构。在版型设计课之前，学生们已经学习了几种基本领型如立领、女士翻领、男士衬衫领、娃娃领等。无领和荡领是在女装里经常出现的领部造型。两个看起来截然不同的领型，当我们在平面版型处理时却发现了联系。无领的领口无论是什么线型，处理的目的都是使领口贴合在身体上，因此处理方法是在不同部位收省，缩短领口线来达到目的。荡领则与无领正好相反，它追求的是运用领口的松量形成垂褶造型。制版是通过加长领口线来完成的。因此在教学中将这两种领型一起讲授，便于学生记忆和理解掌握两种领型的制图方法。
立领的结构并不复杂，以往的领型以合体性的造型为主，在近几年的流行设计中，出现了很多宽大的立领造型，这种宽大型的立领，最大的区别是立领远离脖颈，这使得领口弧线与领子的起翘角度之间会与正常立领不同。通常这样时装化的领型，可以运用与立裁相结合的制版方法来完成，同时必须考虑面料的厚度与硬度。
娃娃领是女装及童装中常常出现的领型，它的款式变化丰富．近几年随着服装的年轻化风潮，娃娃领造型又开始大量流行。图中几款的结构及制版基本方法是一样的，只是在领口弧线上进行了变化，并运用了褶皱的处理，因此形成了不同的外观效果。
在服装的造型中，追求合体与宽松的不断变化，是服装造型设计的手段之一。在流行服装设计中，款式变化常常在松与紧、瘦与肥、长与短之间摇摆。因此以上领型，无论是无领与荡领，还是立领的各种变化，都是在合体与宽松中寻找变化。这既是设计思路，同时也是制版技巧。细微的尺寸差异会使领型的造型截然不同。
如果不知道娃娃领的制版方法，很难想象图12里面的领型是由一种基本方法演变而来的。这恰恰揭示了版型与设计的一个基本规律，即在相同的整体设计思路下，运用不同的设计手段（色彩、面料、装饰），衍生出各种设计形式。在成衣品牌服装的系列设计中，常常采用这种举一反三的设计手段。因此无论是设计还是制版，如果学生能够认识掌握这一规律并熟练运用的话，在设计和制版上会快速地提高。
服装设计不仅仅是满足服装的基本功能，更要突显服装的艺术化表现，融入创意思维。然而，创意思维并非简单模仿、抄袭和重复，而是打破传统思维习惯，从服装设计的创新实践中引领时代潮流。文章从服装设计创意思维方式、影响因素等方面进行阐释，结合服装设计实践来渗透创意思维的独创性和新颖性。
创意是思维的过程，思维是创意的源泉。创意思维不同于一般的思维活动，而是基于思维的独特性来解决问题的方法。可见，对于服装创意思维的研究，不仅是感性的思考，更是理性的分析，融入复杂的、非逻辑的创造性思维过程。同样，对于服装作品，如果缺乏创意和内涵是难以体现时尚，承载审美情趣的，更是没有生命力和价值的。
对于创意是建立在生活经验、知识积累基础上，并通过仔细思考，从生活上、社会上、自然上进行观察和分析，锤炼出创新性思维意识。对于已有的思维习惯，从改组或重建中形成新的思维方法。设计师波尔波阿莱在创作中另辟蹊径，不随波逐流，常常利用敏锐的思维方式来搭配服装，打破传统思维桎梏，以时尚性视角来关注妇女紧身胸衣对身体的束缚，用宽松、流畅、自然的高腰身服装款型来打造希腊风格。他的设计思维带来了一场革命，也是一次对传统服装设计思维的挑战，更是服装史上划时代的创举。服装设计中的创意思维具有综合性，在表现手法上主要有异质同构法、解构组织法和想象构思法三种。对于异质同构思维的应用，主要从两个或两个以上不同风格的整合中来表现。如对于东方布料与西方服饰造型的结合，从传统服饰与现代服装元素的搭配上来表现。当然，对于服装设计中的创意思维，在进行异质同构表现中，要兼顾两者的对比关系，要注重两者的内在统一。如对于皮质材质与薄纱材质在混合使用中，两种材质具有矛盾关系，因此要选择柔软的皮质和相对挺括的薄纱来搭配，以形成视觉效应。对于解构重组法，主要从打破传统思维，融入创意思维。如对服装的袖子、口袋、衣领和门襟等要素进行分解后重组。日本设计师川久保玲打破西服衣襟的对称性，将衣襟改成一边长、一边短、插兜故意外露，尤其是在后腰处，将两个袖筒进行交叉并放在一起，以表现为腰带样式，从而使得西服的整体形象彰显出独特的气质。想象设计法是不受时刻、距离局限，将激情与情感渗透到创意思维中，以表现独特的个性。服装设计中的创意思维，对于设计师来说至关重要，只有打开想象，突破思维定势，才能将创意思维发挥至极致。
从收敛与发散思维的形成基础来看，既是一种思维活动，也是人们在思维过程中突破框架束缚的过程。发散思维就是发挥自身的想象力，增强对事物的探索性研究，从标新立异中来构建新的审美视角，以解决问题为中心，从不同方面来探讨、来推测、来想象、来假设，从多种途径来构建解决问题的方案和方法。越多越好，越奇妙越好。通过对现有的材料、知识进行整合和重组，从而创造出更新、更多的创意构思。发散思维是创意思维的典型表现，也是心理学上称之为“创造力的温床”。从发散思维训练过程中，利用发散思维来进行创新，从发散思维中来构建不同的思维方式。在服装设计中渗透创意思维，可以将思维进行发散，从不同选材中来想象；在服装造型创意中，既可以是圆形的，也可以是方形的，还可以是H形的、A形的、X形的等不同轮廓；从服装色彩创意上，有对比色调的、有自然色调的、有中性色调的、有近似色调的等等；从服装面料创意中，既可以是皮革的、也可以是印花的、还可以是混纺面料的、皱褶面料的等等；在服装工艺创意上，可以是拼接方式、编接方式、刺绣方式、镶嵌方式和镂空方式等等。总之，从不同设计形式和表现手法上来开放思维，形成创意。
对于收敛思维，正好与发散思维相对，主要从大量思维信息中进行搜寻、汇总并推断出一个最优的思维方式。这种思维具有聚光灯效果，将思维的焦点指向某一处。在服装收敛思维运用中，可以从不同思维方式下的、不同服装设计方案中进行分析、对比，总结不优缺点，并进行筛选和梳理，来突显什么样的服装主题，采用什么样的造型来进行表现，以什么样的色彩来呈现，选择何种工艺来完成。收敛思维往往与最佳创意方案具有关联性。收敛思维和发散是统一的，也是殊途同归。在创意思维实践中，对于收敛思维、发散思维的运用，其结果在于从发散思维中拓宽想象力，增强灵感与直觉的创新，而收敛思维则是从设计者的审美能力、设计经验和设计手法上进行综合表现。从创意的培养和实践中，发散将我们的思维方式进行打开，收敛将思维进行加强；通过发散思维，开阔了服装设计的思路，也能够从不同构思中来形成多种思维方式，增强服装创意的活力；利用收敛思维能够从不同设计方案中进行优选，推进构思的成熟。
思维在不同的方面来审视，可以分为纵向思维和横向思维米乐M6。在横向思维中，可以从事物的不同侧面来探索不同方案的相互联系，借助于某一事物来与其他事物进行对比和分析。我们在分析事物时，通常利用多角度、多方位、多方向的比较与审视，来获得事物与事物间的联系。相反，纵向思维，则是从事物的产生、发展为思维线索，从历史性的比较分析中来探讨过去、现状和未来，能够让我们从中更加全面的认识事物的客观性。同时，利用纵向思维，也能够从揭示事物发展规律上，来认识事物的复杂性和演变过程。在服装设计发展演变过程中，通过纵向思维，我们可以看到不同时期不同服装设计的主题及方向。如英国某服装设计师从多年的服装研究中发现，人对服装的审美心理具有一定规律性，不同年龄段对服装的样式、风格及特色等具有关联性。由此设计出人的时装样式规律表，能够从过去、现在、未来不同时间下表现对服装的心理喜好。同样，利用纵向思维，从服装的流行趋势中来探析规律，运用纵向思维来分析服装设计发展的历史，以优化当前服装设计方案米乐M6。另外，在服装创意思维形成中，对于纵向思维、横向思维的运用应该相互衔接，能够从不同方式的创意思维表现中挖掘思维深度和广度，增强思维的敏锐性，应用到服装设计创意中，从色彩、功能、形式、生产工艺和使用对象等方面来把握，以增强服装创意的感染力和表现力。
对于服装创意设计，直觉往往具有重要作用。我们在接受外界信息的过程中，通常利用直觉来获得直观的感受。设计师在进行服装创意设计时，同样是利用自身的观察力和直觉，来整合自身的专业知识和设计经验，并从设计经验积累中形成自身的风格。在这个长期的创意过程中，直觉可以收集和整理相关服装设计资料，也可以为设计师提供有益的启发，直觉能够从强烈的兴趣和注意力中挖掘服装设计的创意构思。服装设计中的创意构思，在直觉的指引下深入到服装设计实践中，以什么样的设计样式来呈现？能否从中获得预期效果？如何去调整设计思路？如何去优化设计款式？如何来表达设计思路？法国设计师皮尔卡丹，作为第一个走进中国封闭大门的服装设计师，其大胆的创意，凭借自身对服装的理解，首次以光彩华丽的服饰风格，让中国人民从中感受到服装设计的魅力。皮尔卡丹也是第一个被我们认可的西方品牌，让更多的中国人从中感受到：拥有一件皮尔卡丹的服装，将是成就事业的基本条件。可见，对于服装设计中的创意表现，不仅仅是一个概念，更要从服装设计的内在影响力来渗透直觉的感知力。另外，对于服装设计师，观察力、直觉是重要的，文化渗透也是关键。利用直觉思维，将开启服装设计的思维大门，从文化表现上来拓宽设计思路，增强服装设计的表现力，突显服装设计的现代意蕴。
想象是一种奇妙的思维方式，想象力是创造性思维形成的源泉。在想象的世界里，人脑通过对现有知识的表征进行新形象的加工，从而构建最丰富的的想象情境。服装设计创意思维离不开想象，没有想象，也就没有丰富的创造力和创作激情，更不会创作出优秀的、丰富多彩的服装造型和作品。所以，培养想象力，从塑造人的着装形象来挖掘无限的想象，自由的联想，将激情与情感渗透到想象的思维中。想象可以是自由方式的启发，也可以将想象汇聚到某一个主题内。服装设计中的创意构思，既有对服装历史的回顾与想象，还有东西方文化差异下的服装风格想象，更有民族与民族之间不同文化理念的想象。俗话说，天高任鸟飞，海阔任鱼跃。对于想象空间，可以是无限的，不受任何框框约束的；也可以是自由的联想，从一个事物联想到另一个事物。日本设计师三宅的创作灵感，往往来源于对未知的想象，在充满神秘的想象世界里，他凭借对服装设计的艺术追求和内心丰富的想象力，将服装设计的艺术创新融入到作品创作灵感中，从而设计出形态各异的、风格变化迥异的服装形态。服装的设计与创意思维的衔接，让作品在模特的身上创造出不凡的表现。以充满哲理的想象和丰富的联想，三宅将服装和身体进行了全面的审视，并从服装造型设计中任意挥洒，创造服装设计的激情。在这种无结构的设计创新中，摆脱了传统造型意识束缚，为服装设计拓展出更宽广的创新空间。
灵感是富有想象的思维，更是一种突发性的心理现象。对于灵感，通常与设计师的心理因素具有较强的关系，也往往是设计师最佳心理状态下的思维表现。灵感的产生，反映了人对注意力的高度集中，在这个时间节点上，想象力被打开，思维的敏锐性和创作激情被同时释放。法国设计师让保罗戈蒂埃被称为“灵感的发动机”，他的作品从带有朋克的内心精神到超现实主义的立体派，再到传统文化的展现，都是源自他的创作灵感。他时常从博物馆、朋克、戏剧、杂货摊等地方进行吸收灵感，将之与自身设计思维进行联系，迸发出兴奋的火花，增强服装设计的艺术构思能力。灵感源自心灵，是思维实践活动中的特殊表现形式，将灵感渗透到服装设计创意思维中，为设计师的作品增色，提升作品的独创性。
服装设计中的创意思维是一个渐进的过程，不同款式、不同色彩以及不同面料的出现，对于设计师来说，更需要从想象力、审美追求中来把握创新意识，开发大脑的创造性思维，借助于服装这一造型艺术来表现构思的独特性。创意思维是连续的，在追求时尚、倡导自由的服装设计中，将人的情感、情趣，以及审美意识融入到设计实践中，为思维的创新开启新的境界，用服装设计来表现创意和灵性，推进服装设计新潮流的发展。
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